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Adaptações live-action de anime dominam 2026: veja filmes e séries já confirmados

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Adaptações live-action de anime dominam 2026: veja filmes e séries já confirmados


O calendário de 2026 promete uma leva inédita de adaptações live-action de anime em escala global. Entre março e julho, sete franquias de peso chegam ao cinema ou ao streaming, movimentando fãs e a indústria.

Confira a lista de títulos, datas e plataformas já anunciadas.

Principais projetos anunciados

  • Golden Kamuy: The Attack on Abashiri Prison – 13 de março, cinemas japoneses
  • Kingdom 5 – verão japonês, data exata a definir
  • Viral Hit – 28 de maio, Netflix
  • Blue Lock – julho, cinemas japoneses
  • Sakamoto Days – 29 de abril, cinemas japoneses
  • Look Back – data a confirmar
  • One Piece – 2ª temporada – 10 de março, Netflix

Linha do tempo de lançamentos

  1. 10 de março – One Piece (Netflix)
  2. 13 de março – Golden Kamuy 2
  3. 29 de abril – Sakamoto Days
  4. 28 de maio – Viral Hit (Netflix)
  5. Julho – Blue Lock
  6. Verão japonês – Kingdom 5
  7. Segundo semestre – Look Back (data a definir)

Golden Kamuy retorna aos cinemas

A sequência Golden Kamuy: The Attack on Abashiri Prison estreia em 13 de março de 2026. O longa mantém o elenco do primeiro filme e amplia a caça ao tesouro de Sugimoto e Asirpa.

Distribuição fora do Japão ainda não foi detalhada, mas, seguindo o histórico dos lançamentos anteriores, o acordo com a Netflix é considerado provável.

Kingdom avança para o quinto filme

Considerada uma das raras adaptações que superaram o anime, a franquia Kingdom lança seu quinto longa no verão de 2026. O criador do mangá, Yasuhisa Hara, assina novamente o roteiro.

Materiais promocionais indicam a presença de Shin em sua armadura, o que sugere possíveis saltos de arco narrativo em relação ao mangá.

Viral Hit chega à Netflix

A produção japonesa de Viral Hit estreia mundialmente em 28 de maio de 2026 na Netflix. A trama segue Yoo Hobin, adolescente que transforma lutas em conteúdo on-line ao mesmo tempo em que denuncia os efeitos tóxicos das redes sociais.

O investimento da plataforma reforça a disputa com outras adaptações de webtoon, fenômeno já observado em títulos como Weak Hero no mercado coreano.

Blue Lock embala hype da Copa de 2026

Com o Mundial de futebol nos Estados Unidos, México e Canadá, o filme de Blue Lock desembarca nos cinemas japoneses em julho de 2026. Segundo o estúdio CREDEUS, o elenco treinou com atletas profissionais para garantir realismo nas partidas.

A produção mira o mesmo público que busca obras sobre ambição e violência simbólica, tendência comentada por cineastas como Sam Raimi em entrevistas recentes.

Sakamoto Days aposta em ação bem-humorada

Baseado no sucesso da Shōnen Jump, Sakamoto Days chega às salas japonesas em 29 de abril de 2026. O filme acompanha o ex-assassino acima do peso que tenta levar vida pacata enquanto inimigos surgem a todo instante.

Adaptações live-action de anime dominam 2026: veja filmes e séries já confirmados - Imagem do artigo original

Imagem: Vanessa Piña

Trailers destacam lutas estilizadas e humor leve, elementos que levaram o anime ao topo do ranking da Netflix em 2025.

Look Back ganha direção de Hirokazu Kore-eda

O aclamado one-shot de Tatsuki Fujimoto recebe versão live-action com direção de Hirokazu Kore-eda, premiado por “Shoplifters”. A data de estreia será confirmada, mas o lançamento está garantido para 2026.

Na história, as jovens Fujino e Kyomoto dividem sonhos e frustrações no mundo do mangá, em tom intimista que deve ganhar força no formato com atores.

One Piece volta a zarpar na Netflix

O fenômeno global retorna em 10 de março de 2026 com a 2ª temporada, cobrindo o arco de Loguetown e a transição para a Saga Arabasta. Novos personagens, como Chopper e a agente Miss Wednesday, fazem sua estreia.

O trailer revela efeitos visuais mais robustos e cenas de ação extensas, respondendo ao público que comparava a primeira leva de episódios com produções maduras como séries de alto orçamento da TV paga.

Os oito episódios continuam sob selo TV-14 e mantêm a parceria entre Netflix e a editora Shueisha.

Por que 2026 é decisivo para o live-action de anime

Com sete estreias confirmadas, 2026 consolida uma estratégia que ganhou fôlego após o sucesso de “One Piece” em 2023. A confiança de estúdios, investimentos em roteiristas originais e elencos que treinam para cenas físicas indicam evolução do formato.

Enquanto cada projeto mira públicos específicos — do esporte competitivo ao drama autoral — a soma reforça o apetite global por narrativas orientais em carne e osso.

Informações de serviço sobre ingressos em pré-venda ou confirmação de streaming internacional serão divulgadas pelos estúdios próximos a cada lançamento.

Cena com Christine Palmer em universo inédito foi cortada de “Doutor Estranho 2”, revela Sam Raimi

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Cena com Christine Palmer em universo inédito foi cortada de “Doutor Estranho 2”, revela Sam Raimi

Cena com Christine Palmer em universo inédito foi cortada de “Doutor Estranho 2
Sam Raimi contou que “Doutor Estranho no Multiverso da Loucura” chegou a incluir um quarto universo, com uma sequência de ação protagonizada por Christine Palmer, mas a ideia ficou fora da versão final.

Universo extra ficou na mesa de montagem

Em entrevista recente ao podcast Send Help, o diretor afirmou que, além dos já vistos Earth-616, Earth-838 e a realidade corrompida pelo Darkhold, havia um cenário totalmente novo para a personagem de Rachel McAdams. A equipe filmou uma luta na qual Christine enfrenta demônios do “submundo”, porém a sequência foi descartada na pós-produção.

Raimi disse ter ficado impressionado com a entrega da atriz. Segundo ele, a cena tinha potencial para soar “ridícula”, mas McAdams tornou o momento “acreditável” mesmo com a presença de criaturas sobrenaturais.

Detalhes da cena eliminada

  • Christine seria atacada em seu laboratório por demônios vindos do “submundo”.
  • A personagem lutaria sozinha, usando objetos do cenário como armas improvisadas.
  • Uma coreografia incluía chute de tesoura e projeção de um monstro sobre uma chaise longue.
  • Todo o segmento foi filmado antes das refilmagens que ajustaram o longa.
  • O universo onde tudo ocorria trazia uma nova história de origem para Christine.

No set, o diretor chegou a orientar: “Os demônios te dão um soco no queixo; você cai no sofá; prende um deles com as pernas e o arremessa”. McAdams respondeu apenas perguntando o ângulo da câmera e a velocidade da queda, o que, para Raimi, demonstrou profissionalismo absoluto.

Motivos para o corte

O cineasta explicou que a decisão ocorreu durante a montagem, quando a equipe percebeu que o ritmo do filme já estava sobrecarregado com três linhas temporais distintas. Incluir mais uma dimensão alongaria o tempo de projeção, que ficou em 126 minutos.

Outro fator foi a necessidade de simplificar a jornada do protagonista, vivido por Benedict Cumberbatch, evitando desvios que pudessem confundir o público. Ainda assim, Raimi espera trabalhar novamente com a atriz, elogiando sua “capacidade de transformar uma ideia estranha em algo empolgante”.

Elenco e multiverso

“Doutor Estranho no Multiverso da Loucura”, lançado em 6 de maio de 2022, reúne nomes como Elizabeth Olsen (Feiticeira Escarlate), Chiwetel Ejiofor (Mordo), Benedict Wong (Wong), Xochitl Gomez (America Chavez) e Michael Stuhlbarg (Nicodemus West), além de McAdams.

Durante a divulgação, Raimi detalhou referências visuais, tema que ele aprofunda ao falar sobre o simbolismo da violência em seu próximo projeto, assunto já comentado na entrevista em que explica o simbolismo de “Send Help”.

Como seria a cronologia da sequência perdida

  1. Estranho e America Chavez deixam Earth-838 após o ataque da Feiticeira Escarlate.
  2. A dupla mergulha em um portal acidental que os lança na dimensão de Christine.
  3. Enquanto o herói recupera fôlego, Christine enfrenta sozinha os demônios invasores.
  4. O grupo escapa para a realidade corrompida, onde o filme retoma a narrativa conhecida.

Todo esse trecho acabou suprimido para garantir ritmo e clareza, segundo o diretor.

Recepção e onde assistir

Apesar do corte, o longa arrecadou mais de US$ 955 milhões mundialmente e mantém nota 8/10 em plataformas de avaliação dos fãs. Quem perdeu nos cinemas encontra o título disponível no Disney+.

A postura de Raimi, que recentemente demonstrou interesse em levar seu estilo para o universo de Batman em um filme de terror, reforça a busca por equilíbrio entre criatividade e narrativa concisa.

Sam Raimi explica simbolismo por trás da violência em “Send Help” e destaca renascimento de protagonista

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Sam Raimi explica simbolismo por trás da violência em “Send Help” e destaca renascimento de protagonista


Sam Raimi afirmou que o sangue e a brutalidade mostrados em “Send Help” representam o processo de “renascimento” da personagem Linda Liddle, vivida por Rachel McAdams. O diretor disse que cada cena violenta marca uma etapa da transformação da tímida funcionária de escritório em líder implacável após um acidente aéreo que a deixa isolada numa ilha deserta. As declarações foram dadas ao site SlashFilm.

Violência como metáfora de renascimento

Segundo Raimi, o excesso de sangue não serve apenas para chocar. O diretor enxerga o elemento como parte de um “parto simbólico” vivido por Linda, obrigada a se reinventar em um ambiente hostil. Ele compara a experiência da personagem a um nascimento onde a dor e o sangue são inevitáveis.

Essa personagem passou por uma transformação tremenda. Ela é uma funcionária de escritório que fica presa em uma ilha deserta, e ocorre um renascimento devido à dureza do lugar, à pessoa que ela precisa encontrar dentro de si para ser forte o suficiente. É como um processo de nascimento, e senti que o sangue deveria ser um elemento importante nisso. E eu gosto de filmes de terror e adoro o efeito que eles têm no público.

Na trama, Linda mata um javali com as próprias mãos, engana o colega Bradley Preston (Dylan O’Brien) ao espirrar sangue de rato em seu rosto e, no clímax, o golpeia até a morte com um taco de golfe. Cada ato reflete o novo controle que ela assume sobre a própria vida.

Veja também:
Sam Raimi volta ao terror com Send Help e pode repetir sucesso de The Housemaid.

Final Explicado do filme “Socorro!” (2026): Linda ou Bradley, quem realmente venceu?

Socorro!: data de estreia, elenco e tudo sobre o filme dirigido por Sam Raimi

Mudança de dinâmica entre os sobreviventes

Antes do desastre, Bradley era o chefe arrogante que menosprezava a subordinada. Após o pouso forçado, a relação se inverte: Linda mostra conhecimentos de sobrevivência e estabelece as regras para garantir comida, abrigo e segurança.

  • Ela caça e prepara a carne que sustenta a dupla.
  • Cria armadilhas e organiza o acampamento.
  • Descobre uma casa de luxo do outro lado da ilha, mas mantém o segredo para preservar sua vantagem.
  • Manipula as tentativas de resgate, prolongando o isolamento.
  • Volta à civilização rica e famosa ao inventar versão conveniente dos fatos.

O roteiro de Damian Shannon e Mark Swift explora como a hostilidade do ambiente obriga Linda a abandonar a passividade exibida no escritório. O mesmo tema de transformação já apareceu em outros trabalhos que debatem violência e redenção, como o recém-lançado thriller “Moses the Black”, analisado em matéria sobre Curtis “50 Cent”.

Retorno de Raimi ao terror após longa pausa

“Send Help” marca o reencontro de Raimi com o horror em longa-metragem, algo que não acontecia desde “Arraste-me para o Inferno” (2009). Conhecido pela franquia “Evil Dead”, o diretor já demonstrou interesse em explorar universos sombrios fora do cinema, inclusive no possível projeto ligado ao Batman no DCU.

Diferentemente dos trabalhos anteriores, a produção de 2026 dispensa elementos sobrenaturais, focando em terror físico e psicológico. Apenas um susto, ligado a um sonho de Linda, flerta com o tradicional “jump scare”.

Recepção positiva de crítica e público

Com 94 % de aprovação no Tomatometer e 89 % de avaliação do público no Rotten Tomatoes, o filme vem recebendo elogios pela combinação de humor ácido e violência gráfica. Em crítica publicada pelo ScreenRant, Todd Gilchrist destaca o desempenho “descontrolado” de McAdams e O’Brien, ressaltando que Raimi faz questão de mostrar “cada detalhe (literalmente) sangrento”.

Os números refletem o interesse por histórias com protagonistas femininas complexas, tendência também observada na recuperação de séries como “Six Feet Under”, cuja ousadia continua em pauta 25 anos após a estreia, conforme relembra artigo especial.

Etapas da metamorfose de Linda Liddle

A jornada da personagem se desenvolve em ordem clara dentro da narrativa:

  1. Desvalorizada no escritório, aceita ordens de Bradley sem contestar.
  2. Sofre acidente aéreo e desperta instinto de sobrevivência.
  3. Assume liderança na ilha após matar o javali e garantir alimento.
  4. Controla informações sobre a casa de luxo e posterga resgate.
  5. Elimina o colega, forja história conveniente e regressa como celebridade.

Dados essenciais de “Send Help”

A produção tem 113 minutos de duração e estreia programada para 30 de janeiro de 2026. No elenco, além de McAdams e O’Brien, estão Edyll Ismail e Dennis Haysbert. A Disney distribui o longa, que ainda conta com Zainab Azizi na produção executiva.

Para quem acompanha o gênero, Raimi destaca que a experiência de assistir ao filme em sala de cinema potencializa a tensão. O diretor aposta na reação coletiva do público aos momentos mais viscerais, estratégia semelhante ao sucesso recente de títulos de terror psicológico que migraram depois para o streaming, como o caso citado no texto sobre o filme que lidera a audiência na HBO Max.

“Send Help” chega aos cinemas brasileiros em 30/01/2026. Informações sobre sessões e pré-venda de ingressos devem ser confirmadas pelos exibidores nas próximas semanas.

Crítica: Thriller “Moses the Black” leva Curtis “50 Cent” para debate sobre redenção e violência nas ruas de Chicago

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Crítica: Thriller “Moses the Black” leva Curtis “50 Cent” para debate sobre redenção e violência nas ruas de Chicago

Moses the Black, longa dirigido pela sérvia Yelena Popovic, combina ação de gangues contemporâneas e relato de um santo do século IV para afirmar que ninguém está fora de alcance da redenção. Com estreia marcada para 30 de janeiro de 2026, o filme reúne o rapper Curtis “50 Cent” Jackson como produtor, nomes da música como Quavo e Wiz Khalifa no elenco e o veterano Omar Epps no papel central.

História cruza crime moderno e lenda antiga

Na Chicago atual, Malik (Omar Epps) deixa a prisão disposto a vingar a morte de Sayeed Hodari, amigo e parceiro no crime. O alvo é Straw (Quavo), líder da gangue rival responsável por torturar e assassinar Sayeed.

Antes que os tiros comecem, a avó de Malik entrega a ele um cartão de oração de São Moisés, o Negro — ladrão convertido em monge no deserto egípcio. A lembrança do santo provoca visões, questionamentos e freia o impulso homicida do protagonista, transformando a guerra de facções num dilema espiritual.

Repercussões tão fortes quanto a promessa de perdão

Popovic enfatiza que a graça tem custo alto. O figurino praticamente todo preto funciona como luto permanente, enquanto imagens de trens ecoam caminhos que correm paralelos até um deles descarrilar.

Sangue aparece sem censura; já a cocaína, apenas sugerida. A ideia recorrente é a máxima bíblica “quem vive pela espada, morre pela espada”, reafirmando que a busca por redenção não apaga as consequências.

  • Ambientação em Chicago destaca violência urbana realista.
  • Visões do santo pontuam a crise de consciência de Malik.
  • Simbolismo de trens e roupas escuras sublinha destino trágico.
  • Direção evita exibir drogas, mas não poupa o espectador do sangue.
  • Mensagem central: nenhum erro é imperdoável, mas o preço é alto.

Elenco mescla veteranos e estrelas da música

A atuação de Epps sustenta o conflito interno do personagem. Cliff Chamberlain vive o policial corrupto Jerry, temperando a trama com acessos de raiva.

Os rappers Wiz Khalifa, Skilla Baby e o próprio Quavo surgem de forma natural em cena, sem destoar do tom sombrio. Já o campeão de boxe Deontay Wilder faz apenas uma breve participação como segurança.

A interação entre criminosos, policiais e figuras religiosas se apoia em diálogos de efeito, alguns próximos da verborragia tarantinesca. Frases como “Se vivemos pela espada, que a vingança divina escolha o lado certo” marcam a tensão moral.

Thriller “Moses the Black” leva Curtis “50 Cent” para debate sobre redenção e violência nas ruas de Chicago - Imagem do artigo original

Imagem: Reprodução

Estrutura e bastidores da produção

Além da direção, Popovic assina o roteiro e divide a produção com Alexandros Potter, Nick Mirkopoulos e Brett Hays. O filme tem 110 minutos e classificação indicativa ainda não divulgada.

  1. Filmagens ocorreram primeiro em estúdios de Belgrado para as cenas internas.
  2. Sequências de rua foram captadas em bairros históricos de Chicago.
  3. A pós-produção concentrou-se em efeitos práticos de sangue e no design sonoro, guiado por 50 Cent.
  4. O lançamento comercial está programado para 30/01/2026, em circuito internacional.

A escolha de mezclar linha do tempo antiga e presente dialoga com outras produções que usam passado como espelho, caso de “Justiça Artificial”, thriller de IA que também reflete dilemas éticos ( confira a crítica ).

Recepção crítica inicial

Primeiras análises estrangeiras atribuem nota 4/10, elogiando o subtexto religioso, mas reclamando de ritmo irregular. Entre os pontos positivos estão a entrega de Epps e a fotografia sombria; entre os negativos, longa duração de algumas sequências de vingança.

A combinação de crime urbano e devoção incomum gerou comparações com dramas que exploram luto ou ansiedade existencial, como “See You When I See You”, citado por críticos ao analisar o peso emocional dos protagonistas ( veja resenha neste link ).

Principais motivos para ficar de olho

  • Diretor e roteirista: Yelena Popovic, conhecida por “Man of God”.
  • Protagonista: Omar Epps entrega interpretação contida e intensa.
  • Participações musicais: 50 Cent, Quavo, Wiz Khalifa e Skilla Baby.
  • Temática: redenção versus violência, inspirada em santo do século IV.
  • Lançamento global previsto para janeiro de 2026.

Com essa proposta híbrida, Moses the Black promete chamar atenção tanto do público de thrillers de gangues quanto de espectadores interessados em narrativas de fé e transformação.

Serviço: “Moses the Black” chega aos cinemas em 30/01/2026, com 110 min de duração.

Six Feet Under completa 25 anos e segue como a produção mais ousada da história da HBO

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Six Feet Under completa 25 anos e segue como a produção mais ousada da história da HBO

Six Feet Under chega à marca de 25 anos
Lançada em 2001, Six Feet Under chega à marca de 25 anos como a série que melhor simboliza a ambição criativa da HBO. Mesmo sem grandes estrelas na época, o drama sobre uma família que administra uma funerária manteve-se único graças ao formato “morte da semana”, diálogos com mortos e um final ainda celebrado como o melhor já exibido na TV.

  • Criação de Alan Ball, vencedor do Oscar por Beleza Americana.
  • Exibição original de 2001 a 2005, com cinco temporadas.
  • Elenco encabeçado por Peter Krause, Michael C. Hall e Frances Conroy.
  • Episódios abrem sempre com um óbito que a família Fisher precisa atender.
  • Final considerado o mais marcante da televisão, segundo críticos e fãs.

O início: morte que desperta a trama

No piloto, o patriarca Nathaniel Fisher sofre um acidente fatal logo nos primeiros minutos. A partir desse choque, o primogênito Nate volta para casa e assume parte dos negócios ao lado do irmão David, ainda que relutante. A matriarca Ruth e a caçula Claire também encaram o luto imediato, expondo fragilidades que dão o tom à série.

A morte repentina do chefe da família cumpre dois papéis: introduz o público ao cotidiano de uma casa funerária e instala, desde cedo, discussões sobre finitude, culpa e reconciliação.

Procedural… mas nem tanto

Cada capítulo começa com um falecimento diferente — um afogamento, um atropelamento, um infarto. A estrutura lembra dramas policiais convencionais, mas Six Feet Under rompe a previsibilidade ao focar nas repercussões emocionais.

  1. Surge a cena da morte, sempre inesperada.
  2. Os Fisher recebem o corpo e iniciam os preparativos.
  3. Enquanto organizam o funeral, conflitos familiares se intensificam.
  4. No desfecho, o enterro se torna catalisador de mudanças pessoais.

O formato garante ritmo, porém a série evolui de maneira serializada; assistir fora de ordem faz o espectador perder o desenvolvimento de personagens.

Fantasma ou imaginação?

Durante o embalsamamento ou a maquiagem do cadáver, é comum que Nate ou David conversem com o falecido. Esses diálogos revelam dúvidas íntimas e impulsionam decisões. Como ninguém além deles presencia tais aparições, a narrativa deixa em aberto se são projeções psicológicas ou manifestações sobrenaturais.

O próprio Nathaniel Fisher Sr. volta a interagir com os filhos em sonhos, lembranças ou flashes repentinos. Essa ambiguidade se tornou marca registrada da produção.

Celebrar a vida através da morte

Apesar do tema fúnebre, a série enfatiza a urgência de aproveitar o tempo. Personagens como Ruth, geralmente contida, e David, que enfrenta a própria sexualidade, são instigados a buscar alegria. O lema “seize the day” ecoa em roteiros que equilibram humor ácido, melancolia e esperança.

Six Feet Under completa 25 anos e segue como a produção mais ousada da história da HBO - Imagem do artigo original

Imagem: Reprodução

Esse equilíbrio ajuda a explicar por que Six Feet Under sustenta reputação superior à de contemporâneos de peso como Oz, Sex and the City e The Sopranos. Tal ousadia pavimentou caminho para outras apostas da emissora, hoje disponíveis no catálogo da HBO Max.

O adeus inesquecível

Exibido em 2005, o episódio final mostra, em sequência acelerada, como cada membro da família morrerá no futuro. A decisão de revelar o destino de todos, acompanhada da canção “Breathe Me”, de Sia, rendeu à produção o rótulo de “melhor finale de todos os tempos” em diversos rankings especializados.

O impacto emocional ainda é citado em debates sobre encerramentos de séries e inspirou criadores posteriores a arriscar soluções narrativas menos convencionais. Assim como alguns desenhos que dialogam com o público adulto, o drama comprova que assuntos universais atravessam gêneros e formatos.

Legado e influência

Passadas duas décadas e meia, Six Feet Under mantém nota 7,8/10 em agregadores e segue presente em listas de melhores dramas já produzidos. A série impulsionou a carreira de Michael C. Hall, que mais tarde estrelou Dexter, e consolidou a HBO como sinônimo de risco criativo.

Além disso, abriu espaço para narrativas que exploram tabus, desconforto e humor sombrio, influenciando títulos recentes que mesclam melodrama e crítica social.

Para quem deseja rever ou conhecer a história, os 63 episódios continuam disponíveis no streaming da HBO na íntegra.

Documentário sobre Melania Trump lidera bilheteria para o gênero, mas começo de carreira ameaça prejuízo milionário

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Documentário sobre Melania Trump lidera bilheteria para o gênero, mas começo de carreira ameaça prejuízo milionário

“Melania”, documentário de Brett Ratner sobre a ex-primeira-dama dos EUA
“Melania”, documentário de Brett Ratner sobre a ex-primeira-dama dos EUA, abriu o fim de semana com US$ 8,1 milhões e cravou o maior lançamento de um documentário na última década. Mesmo assim, o valor representa apenas uma fração dos US$ 75 milhões investidos em distribuição e marketing, colocando em dúvida a viabilidade financeira da produção.

  • Abertura de US$ 8,1 milhões em 3 dias nos EUA
  • Orçamento de distribuição + marketing: US$ 75 milhões
  • Recorde de melhor estreia para documentário em 10 anos
  • Nota A no CinemaScore e 99% no Popcornmeter
  • Apenas 6% de aprovação da crítica no Rotten Tomatoes
  • Estimativa: precisa arrecadar cerca de US$ 150 milhões para empatar

Recorde histórico, mas atrás de dois filmes de terror

Segundo projeções divulgadas no sábado pela manhã, “Melania” ficou em 3º lugar na bilheteria norte-americana, atrás dos lançamentos de terror “Send Help” e “Iron Lung”. O resultado supera o recorde anterior de “After Death”, que somou US$ 5 milhões em 2023, e estabelece o melhor fim de semana de estreia para um documentário desde então.

O desempenho foi obtido com uma média de US$ 4.556 por sala. O número é robusto para o segmento, mas inferior às médias registradas por grandes documentários do passado, como “Fahrenheit 9/11” (US$ 27.558) e “March of the Penguins” (US$ 34.373).

Orçamento elevado pressiona meta de bilheteria

A Amazon MGM Studios pagou US$ 40 milhões pelos direitos de distribuição e desembolsou mais US$ 35 milhões em campanhas de divulgação. Com os cinemas retendo cerca de metade da receita bruta, especialistas calculam que o longa precisa chegar a US$ 150 milhões no mundo para não dar prejuízo.

Apenas dois documentários não musicais já superaram essa barreira, como mostra o ranking abaixo:

  1. “Grand Canyon: The Hidden Secrets” (1984) – US$ 239 milhões no mundo
  2. “Fahrenheit 9/11” (2004) – US$ 221,1 milhões
  3. “March of the Penguins” (2005) – US$ 133,3 milhões
  4. “Everest” (1998) – US$ 128 milhões
  5. “Space Station” (2002) – US$ 126,5 milhões
  6. “To Fly!” (1976) – US$ 120,7 milhões
  7. “Earth” (2009) – US$ 116,8 milhões

Dessas produções, várias começaram em circuito limitado com média de público bem superior à obtida por “Melania”.

Divisão entre crítica e público

No Rotten Tomatoes, o filme recebeu apenas 6% de aprovação de críticos, mas conquistou 99% no Popcornmeter, medido a partir de mais de cem avaliações de usuários, além de nota A no CinemaScore. A forte discrepância reflete a polarização em torno do tema e indica que o longa atrai principalmente espectadores alinhados a Melania e Donald Trump.

Essa capacidade de engajamento doméstico reproduz o fenômeno visto em outros títulos recentes; um exemplo parecido ocorreu com o filme psicológico para maiores que virou sucesso na HBO Max apesar de desempenho tímido nos cinemas.

Comparação com “After Death” e riscos de queda rápida

A referência mais próxima é o documentário cristão “After Death”, que term​​inou a carreira com US$ 20,2 milhões, sendo 97% desse montante arrecadado nos EUA. Se “Melania” seguir trajetória semelhante, é improvável que ultrapasse a marca de US$ 30 milhões globais.

A desaceleração costuma ser ainda mais acentuada em temas políticos norte-americanos, pois o interesse internacional costuma ser limitado. Para analistas de bilheteria, a curva de audiência deve ficar clara nas próximas duas semanas, período crítico para medir retenção de público.

Mercados internacionais apontam baixa demanda

Relatos de sessões com venda de ingressos em números de um dígito no Reino Unido sugerem fraca repercussão fora dos EUA. Situações parecidas já ocorreram com títulos de forte viés cultural americano, como projetos ambientados no universo do Batman em desenvolvimento por Sam Raimi, que também enfrentam desafios para converter notoriedade doméstica em renda global.

Sem expectativa de grande expansão internacional, a produção dependerá quase exclusivamente da bilheteria norte-americana para atingir o ponto de equilíbrio, algo que raramente acontece com documentários de alto custo.

Próximos passos

A estratégia do estúdio inclui manter o filme em cartaz em mais de 1.700 salas pelo menos até o feriado do Dia do Trabalho, ampliar exibições em cidades médias e reforçar ações de marketing voltadas a comunidades conservadoras. Caso a sustentação não seja suficiente, eventuais acordos de streaming deverão ser fundamentais para amenizar eventuais perdas.

A direção de 104 minutos foi produzida por Fernando Sulichin, Brett Ratner, Melania Trump e Marc Beckman, com aparições de Donald Trump. O desempenho nas próximas semanas definirá se a obra entrará para a lista dos documentários mais rentáveis ou se reforçará o risco de orçamentos inflados no gênero.

Filme psicológico para maiores que faturou apenas US$ 1,4 milhão assume o topo da HBO Max após indicação ao Oscar

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Filme psicológico para maiores que faturou apenas US$ 1,4 milhão assume o topo da HBO Max após indicação ao Oscar

If I Had Legs I'd Kick You (Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria)
If I Had Legs I’d Kick You (Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria) estreou na HBO Max em 30 de janeiro e, poucos dias depois, passou a ocupar a primeira posição entre os filmes mais assistidos da plataforma. O longa, dirigido por Mary Bronstein, ganhou fôlego depois da indicação de Rose Byrne ao Oscar de Melhor Atriz.

Filme pequeno, audiência gigante

Lançado nos cinemas em 24 de outubro de 2025 pela A24, o título arrecadou modestos US$ 1,4 milhão em bilheteria mundial, praticamente toda vinda da América do Norte. A campanha de premiações, porém, ampliou a curiosidade do público, impulsionando a procura pelo filme no streaming.

Na HBO Max, a produção superou The Smashing Machine (2025), One Battle After Another (2025) e Twilight (2008) para assumir o primeiro lugar do ranking interno.

Enredo e elenco

Byrne interpreta Linda, mãe que tenta equilibrar a carreira, os cuidados com a filha doente, a ausência do marido e uma relação conturbada com o terapeuta. O profissional é vivido por Conan O’Brien, em rara participação dramática do ex-apresentador de talk show.

Completam o elenco:

  • A$AP Rocky
  • Christian Slater
  • Danielle Macdonald
  • Delaney Quinn

A combinação de drama, humor negro e tensão psicológica rendeu ao filme classificação R (para maiores de 17 anos) nos Estados Unidos e tempo de exibição de 113 minutos.

Caminho até o Oscar

A estreia mundial ocorreu no Festival de Sundance de 2025, onde a obra chamou atenção de críticos e distribuidores. Ainda assim, entre as diversas categorias da temporada, o filme recebeu somente uma indicação — a de Melhor Atriz para Byrne — na 98ª cerimônia do Oscar, marcada para 15 de março de 2026.

Além da australiana, concorrem ao prêmio:

Filme psicológico para maiores que faturou apenas US$ 1,4 milhão assume o topo da HBO Max após indicação ao Oscar - Imagem do artigo original

Imagem: Reprodução

  1. Jessie Buckley por Hamnet
  2. Kate Hudson por Song Sung Blue
  3. Renate Reinsve por Sentimental Value
  4. Emma Stone por Bugonia

O livro de Maggie O’Farrell que inspirou Hamnet também rendeu discussões sobre a visão da dor familiar na obra de Shakespeare, tema aprofundado no artigo “Final Explicado de Hamnet”.

Avaliação crítica e reação do público

No Rotten Tomatoes, If I Had Legs I’d Kick You sustenta 93 % de aprovação crítica, sinalizando recepção entusiasmada. O índice dos espectadores, chamado Popcornmeter, registra 79 %, indicando aceitação majoritariamente positiva entre usuários comuns.

Diferentes publicações elogiam a interpretação de Byrne, considerada ponto alto da narrativa, e o risco assumido por O’Brien ao trocar o humor pelos conflitos psicológicos.

Principais fatores para o sucesso no streaming

  • Visibilidade adquirida com a indicação ao Oscar de Melhor Atriz
  • Chegada ao catálogo da HBO Max a poucas semanas da temporada de prêmios
  • Boca a boca gerado por notas elevadas da crítica especializada
  • Elenco que chama atenção pelo contraste entre comédia e drama
  • Curiosidade em torno de produção de baixo orçamento distribuída pela A24

Impacto esperado nos próximos meses

Com sete semanas até a entrega do Oscar, a permanência do título no topo da HBO Max deve depender do interesse contínuo na disputa de Byrne. Caso a atriz vença, analistas preveem nova onda de visualizações, como ocorre com produções premiadas em anos anteriores.

A academia divulgará os vencedores em 15 de março, durante cerimônia ao vivo em Los Angeles. Até lá, o longa de Bronstein permanece disponível no catálogo do serviço para quem quiser conferir.

Informações de serviço: If I Had Legs I’d Kick You está em cartaz na HBO Max desde 30/1/2026, com 113 minutos de duração e classificação indicativa para maiores de 16 anos no Brasil.

Dez desenhos infantis que todo adulto deveria assistir

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Dez desenhos infantis que todo adulto deveria assistir

desenhos infantis que todo adulto deveria assistir
Produções como “Phineas e Ferb” e “Avatar: A Lenda de Aang” provam que animações voltadas ao público mirim conseguem discutir temas profundos, misturar humor ousado e conquistar fãs de todas as idades. A seguir, veja por que dez séries classificadas como “infantis” merecem espaço na maratona de qualquer adulto.

  • Roteiros abordam guerra, desigualdade e existencialismo.
  • Humor surreal e referências pop atraem diferentes gerações.
  • Personagens complexos evoluem ao longo dos episódios.
  • Animação de qualidade rivaliza com séries voltadas a adultos.
  • Fãs encontram conexões com quadrinhos, cinema e literatura.

Humor que ultrapassa gerações

Phineas e Ferb acompanha dois meio-irmãos decididos a tornar cada dia das férias inesquecível. Enquanto a irmã mais velha tenta “dedurá-los”, o ornitorrinco de estimação vive uma vida dupla como agente secreto em batalhas contra um vilão local. A combinação de running gags e criatividade faz da série um respiro otimista.

No igualmente excêntrico Regular Show, um gaio-azul e um guaxinim de 23 anos trabalham como zeladores de parque, mas preferem se envolver em confusões dignas de ficção científica. Apesar de cativar crianças, o cotidiano de jovens adultos preguiçosos fala diretamente com quem já enfrentou chefes, boletos e dilemas pós-faculdade.

Já Bob Esponja Calça Quadrada leva a irreverência ao extremo: piadas absurdas, não-sequiturs e até toques de humor sombrio convivem com a rotina de um cozinheiro otimista no fundo do mar. A série dialoga com pais e filhos ao mesmo tempo, algo que a Pixar costuma fazer no cinema.

Aventura e reflexão em mundos fantásticos

Avatar: A Lenda de Aang parece, à primeira vista, uma saga de artes marciais elementais. Porém, seus criadores debatem guerra, genocídio, autoritarismo e desigualdade social durante a jornada do último Dobrador de Ar. O resultado foi reconhecido como uma das melhores produções televisivas da década.

Também pós-apocalíptica, Hora de Aventura coloca o jovem Finn e o cão mutante Jake em missões que desconstruem clichês de fantasia. O enredo simples abre espaço para questionar amizade, amadurecimento e responsabilidade em um cenário colorido, mas repleto de pistas sobre um passado devastado.

Heróis, espionagem e comentários sociais

Star Wars: A Guerra dos Clones resgatou personagens dos filmes-prelúdio para mostrar, com roteiros mais densos, as manobras políticas por trás do conflito galáctico. A série investiga a manipulação em tempos de guerra e a influência de organizações religiosas sobre seus soldados.

Na animação de ação Kim Possible, a rotina escolar se mistura a missões secretas contra vilões caricatos. O texto brinca com clichês de James Bond e Missão: Impossível, enquanto retrata inseguranças típicas da adolescência.

Quando o assunto é justiça sombria, Batman: A Série Animada permanece referência. A estética noir e a dublagem marcante de Kevin Conroy definiram o Cavaleiro das Trevas para toda uma geração. Mesmo hoje, o desenho serve de porta de entrada para quem acompanha novidades sobre o universo de Batman explorado por cineastas como Sam Raimi.

Mistério, fantasia urbana e Shakespeare

Lançada nos anos 1990, Gárgulas mistura fantasia urbana a tramas inspiradas em Shakespeare. Criaturas de pedra despertam na Nova York contemporânea após mil anos adormecidas e assumem o papel de sentinelas noturnos. A atmosfera sombria e os arcos longos anteciparam o padrão atual de séries de prestígio.

Na mesma linha de enigmas, Gravity Falls ganhou apelido de “Twin Peaks para crianças”. Os gêmeos Dipper e Mabel investigam fenômenos paranormais enquanto vivem com o tio Stan na cabana de souvenires. O tom surreal atraiu um público que abrange de pré-adolescentes a adultos que curtem teorias conspiratórias.

Os 10 títulos em ordem para a próxima maratona

  1. Phineas e Ferb
  2. Regular Show
  3. Bob Esponja Calça Quadrada
  4. Avatar: A Lenda de Aang
  5. Hora de Aventura
  6. Star Wars: A Guerra dos Clones
  7. Kim Possible
  8. Batman: A Série Animada
  9. Gárgulas
  10. Gravity Falls

Quem busca referências sobre tragédias elisabetanas pode ainda conferir a relação entre luto e criação literária apresentada em “Hamnet”, tema que ecoa nos episódios de Gárgulas.

Todas as séries citadas estão disponíveis em serviços de streaming como Disney+, Netflix ou HBO Max. Vale verificar o catálogo local, pois a oferta pode variar de acordo com o país.

Bridgerton: Parte 2 da 4ª temporada promete escalar conflito entre Sophie e Benedict, revela Yerin Ha

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Bridgerton: Parte 2 da 4ª temporada promete escalar conflito entre Sophie e Benedict, revela Yerin Ha

Bridgerton: Parte 2 da 4ª temporada promete escalar conflito entre Sophie e Benedict
Yerin Ha adiantou que a Parte 2 da 4ª temporada de Bridgerton, marcada para 26 de fevereiro, ampliará o impasse entre Sophie Baek e Benedict Bridgerton. A atriz descreve os próximos capítulos como “um turbilhão ainda maior” em comparação à primeira leva de episódios.

Tensão após pedido inesperado

No capítulo 4, Benedict surpreende Sophie ao convidá-la para ser sua amante depois de um encontro às pressas nos degraus da casa Bridgerton. A proposta, comum entre nobres da Regency Era, soa como ofensa para a jovem, que recorda o destino trágico da mãe.

Enquanto o filho de Lady Violet luta pelo que chama de amor, Sophie enxerga a oferta como ameaça à própria sobrevivência. A cisão reflete o tema central da temporada: o abismo de classe que separa uma criada de um membro da alta sociedade londrina.

  • Pedido de Benedict: convite para ser amante choca Sophie.
  • Diferença social: romance entre nobre e empregada rompe convenções.
  • Medo do passado: lembrança da mãe impulsiona recusa de Sophie.
  • Cliffhanger: episódio 4 termina com o casal em crise.
  • Parte 2: estreia global em 26/2 na Netflix.

Segredos que ainda rondam o casal

Sophie esconde duas verdades cruciais. Primeiro, ela é a misteriosa “dama de prata” do baile de máscaras organizado por Lady Bridgerton, figura que Benedict busca desde a festa. Segundo, sua história familiar está longe de ser simples: a moça tem ligação direta com uma família que acaba de mudar-se para a casa ao lado, ameaçando revelar origens nada nobres.

Com a ex-madrasta agora como vizinha dos Bridgertons, o risco de exposição cresce a cada visita social. Yerin Ha sugere que esses segredos virão à tona “mais cedo do que Sophie gostaria”.

Bastidores: o que dizem os atores

Em entrevista ao The Hollywood Reporter, Ha contou ter ficado intrigada ao ler o roteiro pós-episódio 4. “Como esses dois vão se entender?”, questionou-se. Segundo ela, os capítulos finais mostrarão “mais barreiras caindo, mais luta e muitas lágrimas”.

“Quando ele faz a proposta, é um tapa na cara para Sophie. Ela lembra da mãe, da própria identidade e de quanto foi difícil crescer nesse mundo.” — Yerin Ha

Para Benedict, o raciocínio parece lógico: se um amigo consegue viver publicamente com a amante, por que o mesmo arranjo não serviria ao casal? A visão pragmática de um aristocrata, porém, ignora o peso social carregado por uma criada sem título nem fortuna.

Obstáculos de classe no centro da trama

Bridgerton sempre flertou com o formato de conto de fadas; nesta temporada, contudo, o romance precisa atravessar barreiras mais rígidas. Sophie luta pela própria dignidade; Benedict, por sua versão de liberdade amorosa.

O tema já havia sido apontado nas primeiras análises da temporada. Críticos chamaram atenção para a abordagem “de conto de fadas” focada em Benedict, opinião compartilhada no artigo que avaliou a Parte 1 com nota 7/10. Antes disso, o lançamento dos quatro primeiros episódios já havia colocado a série no topo do ranking global da plataforma.

Bridgerton: Parte 2 da 4ª temporada promete escalar conflito entre Sophie e Benedict, revela Yerin Ha - Imagem do artigo original

Imagem: Liam Daniel

A escalada do conflito também reforça o contraste entre fantasia romântica e realidade histórica. Sophie tenta proteger-se num sistema que oferece poucas opções a mulheres da sua origem, enquanto Benedict persiste na ideia de que o amor é suficiente para romper convenções.

O que esperar dos próximos episódios

Além do embate amoroso, a trama reserva revelações de sobrenome, disputas familiares e novos bailes. A presença da ex-madrasta adiciona tensão doméstica e risco de escândalo público.

  1. Revelação da identidade: máscara da “dama de prata” finalmente cai.
  2. Confronto familiar: madrasta pressiona Sophie e envolve os Bridgertons.
  3. Decisão de Benedict: nobre precisa escolher entre tradição e paixão.
  4. Reação da sociedade: rumores ameaçam reputações em Londres.
  5. Desfecho do casal: futuro de Sophie depende da quebra ou não das barreiras de classe.

Com esses pontos, a Parte 2 deve ampliar o debate sobre privilégios e restringir ainda mais o tempo de Sophie para agir.

Quando a Parte 2 chega à Netflix

Bridgerton – 4ª temporada, Parte 2 estreia em 26 de fevereiro na Netflix. Serão mais quatro episódios que concluem o arco de Benedict e Sophie.

Os fãs que acompanham a série desde 2020 terão, assim, a chance de descobrir se o romance supera a rígida etiqueta vitoriana ou se o sonho termina onde a realidade histórica aperta.

Serviço: Bridgerton – Temporada 4, Parte 2
Estreia: 26/2/2025
Onde assistir: Netflix
Classificação indicativa: TV-MA

Sam Raimi mira universo do Batman e pode encontrar caminho no terror do DCU

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Sam Raimi mira universo do Batman e pode encontrar caminho no terror do DCU

Sam Raimi mira universo do Batman
Sam Raimi, diretor de Homem-Aranha e Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, voltou a declarar interesse em comandar um filme do Batman. A possibilidade de um longa centrado no vilão Espantalho desponta como opção que combina com sua trajetória no terror. O cenário se fortalece com o primeiro spin-off de vilão do DCU, Clayface, marcado para este ano.

Experiência de Raimi com super-heróis

Conhecido por transitar entre quadrinhos e horror, Raimi lançou em 1981 o cult The Evil Dead, expandindo a franquia em Evil Dead 2 e Army of Darkness. No gênero de heróis, assinou a trilogia Homem-Aranha protagonizada por Tobey Maguire, além de Darkman (1990) e da produção da Marvel em 2022.

Em conversa com o site MovieWeb, o cineasta revelou ter tentado negociar os direitos do Cavaleiro das Trevas no passado.

“Eu amo o Batman. Tentei fazer um filme do Batman. Não consegui os direitos.”

Ainda assim, o novo planejamento da DC pode reabrir portas. Enquanto Matt Reeves prepara a sequência de The Batman (2022) e Andy Muschietti foi escalado para Batman: The Brave and the Bold, outras histórias derivadas surgem como terreno fértil para o diretor.

  • Trajetória consolidada no horror e nos quadrinhos
  • Tentativa anterior de comandar Batman frustrada por direitos autorais
  • DCU agora investe em filmes de vilões com classificação R
  • Espantalho reúne elementos de terror psicológico e visuais oníricos
  • Recepção a Clayface pode definir futuro de projetos semelhantes

Por que o Espantalho encaixa no estilo do diretor

Nos quadrinhos, Jonathan Crane usa toxina do medo para expor piores pesadelos de suas vítimas. A última aparição de destaque em live-action ocorreu em Batman Begins (2005), com Cillian Murphy. Embora Christopher Nolan tenha sugerido nuances de horror, Raimi poderia mergulhar mais fundo no terror.

Sequências de alucinação permitiriam ao cineasta criar imagens bizarras, lembrando os delírios vistos em Multiverso da Loucura. A combinação de sustos, humor sombrio e efeitos práticos é marca registrada de Raimi desde The Evil Dead.

Uma produção dedicada ao Espantalho ampliaria a galeria de antagonistas da DC e exploraria temas psicológicos pouco visitados no cinema de super-heróis. A atmosfera também conversa com tendências de narrativas sombrias que alavancaram o sucesso de Coringa (2019).

Horror ganha espaço no DCU

Clayface, dirigido por James Watkins e roteirizado por Mike Flanagan e Hossein Amini, estreia ainda em 2024 como o primeiro filme R-rated do DCU. O longa apresentará as origens do metamorfo capaz de assumir qualquer forma graças ao corpo de argila.

Protagonizado por Tom Rhys Harries, o projeto deve intensificar o body horror, subgênero em que a transformação física gera desconforto. Se a bilheteria corresponder, executivos poderão investir em outras adaptações focadas em vilões e terror, área em que Raimi acumula reconhecimento.

O interesse do público por universos mais sombrios já impulsionou outras produções, como a série cancelada I Am Not Okay with This, que mescla poderes e dramas juvenis, demonstrando demanda por abordagens alternativas aos heróis tradicionais.

Sam Raimi mira universo do Batman e pode encontrar caminho no terror do DCU - Imagem do artigo original

Imagem: Reprodução

Risco e oportunidade com Clayface

Aposta ousada, Clayface não possui a popularidade de vilões clássicos. O desempenho do filme servirá como termômetro para futuros projetos. A DC segue firme na diversificação de estilos, depois de experimentar com o humor ácido de O Esquadrão Suicida e o suspense de Coringa.

Caso a resposta do público seja positiva, executivos podem autorizar novos longas de atmosfera semelhante. Raimi, então, teria argumento para retomar conversas sobre o Espantalho, personagem ideal para seu repertório de câmeras dinâmicas, humor macabro e sustos repentinos.

Além disso, a escolha reforçaria o movimento de atores versáteis em papéis antes improváveis. Fãs já defendem, por exemplo, Maya Hawke como possível Batgirl, mostrando abertura a escalas criativas.

O que pode vir a seguir

A cronologia do interesse de Raimi pelo Cavaleiro das Trevas passa por pontos-chave:

  1. Pré-2000: tentativa sem sucesso de obter direitos de Batman.
  2. 2022: retorno aos heróis com Doutor Estranho 2, renovando visibilidade.
  3. 2024: DCU lança Clayface, testando terror em blockbuster.
  4. Próximos anos: resultado de bilheteria pode destravar filme do Espantalho nas mãos de Raimi.

Mesmo sem confirmação oficial, a convergência entre a experiência do diretor e o novo posicionamento da DC faz do projeto uma possibilidade concreta. O estúdio já tem na agenda The Batman Part II e Batman: The Brave and the Bold, mas spin-offs focados em vilões oferecem espaço para histórias paralelas.

Se acontecer, o longa adicionaria mais um capítulo à transição dos quadrinhos para o cinema, ao lado de adaptações que flertam com elementos fantásticos, como o possível salto de Nightcrawler no MCU, mostrando que super-heróis e horror podem coexistir em produções mainstream.

A DC não divulgou agenda além de Clayface. Por ora, fãs de Raimi e do Espantalho observam o calendário, aguardando o próximo movimento do estúdio.

Serviço: Clayface tem previsão de estreia nos cinemas ainda em 2024. Datas oficiais serão confirmadas pelo DC Studios nos próximos meses.

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